¿Alguna vez te has sentado frente a una obra de teatro y, de repente, sentiste una conexión inusual con su mensaje, como si cada palabra, cada gesto, estuviera cuidadosamente calibrado para resonar no solo con tus emociones, sino con tu razón? Esa sensación, esa búsqueda de la perfección, el orden y la claridad, nos remite directamente a una de las épocas más influyentes y estructuradas de la dramaturgia occidental: el teatro del clasicismo. Imagínate, por un momento, a un joven estudiante de letras, quizás en un café concurrido de Madrid, absorto en los textos de Racine o Molière. Se topa con la rigidez de las tres unidades aristotélicas y, al principio, piensa: «¡Vaya corsé para la creatividad!». Pero conforme avanza, descubre que esa disciplina no era una limitación, sino un camino hacia una profundidad y una universalidad sorprendentes. Acompañemos a este estudiante en su viaje, pues desentrañar qué es el teatro del clasicismo es abrir una ventana a un universo donde la razón y la emoción se dan la mano bajo un estricto código estético.
El teatro del clasicismo se erige como un movimiento artístico y literario preponderante entre los siglos XVII y principios del XIX, fuertemente arraigado en los ideales de la Ilustración y la recuperación de los principios estéticos de la Antigüedad Clásica grecolatina. No es simplemente un estilo; es una filosofía escénica que busca la verosimilitud, la universalidad de los sentimientos humanos, el orden y la armonía, todo ello con una clara intención didáctica y moralizante. Es un teatro que aboga por la claridad, la contención y la lógica interna, donde cada elemento, desde la trama hasta el lenguaje, está meticulosamente diseñado para servir a un propósito mayor.
Contexto Histórico y Filosófico: El Telón de Fondo del Clasicismo
Para comprender a fondo el teatro del clasicismo, es imprescindible sumergirnos en el caldo de cultivo que lo vio nacer. Este periodo se gesta tras el efervescente Renacimiento, que ya había posado sus ojos en la grandeza de Grecia y Roma, pero toma su forma definitiva bajo el influjo de la Ilustración, un movimiento intelectual que ensalzaba la razón como faro de la humanidad. Pensadores como Descartes, con su célebre «Pienso, luego existo», sentaron las bases para una forma de entender el mundo donde la lógica y el método primaban sobre la pasión desbordada o el dogma religioso.
En buena parte de Europa, pero con especial énfasis en Francia, las monarquías absolutas, como la de Luis XIV, el «Rey Sol», encontraron en el arte clásico un reflejo de su propio ideal de orden, magnificencia y control. El clasicismo no era solo una cuestión estética; era también una declaración política. Se buscaba una belleza serena, equilibrada y atemporal, que contrastaba con la exuberancia y el dinamismo del Barroco, que había dominado la escena previa. Se aspiraba a la perfección formal, a la expresión de verdades universales y a la purificación del gusto, todo ello siguiendo modelos que se consideraban cumbres de la civilización: los grandes dramaturgos griegos como Sófocles, Eurípides y Esquilo, así como los romanos como Séneca.
La Academia Francesa, fundada en 1635, jugó un papel crucial en la codificación de estas reglas. Para los clasicistas, el arte no era una cuestión de inspiración caótica, sino de aplicación rigurosa de principios racionales. Creían firmemente que la belleza residía en la proporción, la simetría y la claridad, y que el teatro, como forma de arte, debía ser un espejo de estas virtudes. Era un momento en el que se valoraba la mesura, la compostura y la adhesión a un canon estético bien definido. La finalidad no era solo entretener, sino también instruir, pulir las costumbres y ofrecer modelos de comportamiento virtuoso, o bien, advertir sobre las consecuencias de los vicios.
Los Pilares del Clasicismo Teatral: Las Tres Unidades Aristotélicas
Si hay algo que define y, en ocasiones, constriñe el teatro del clasicismo, son las famosas «tres unidades» de acción, tiempo y lugar. Estas reglas, malinterpretadas o exageradas a partir de las observaciones de Aristóteles en su «Poética» (quien solo mencionó explícitamente la unidad de acción y sugirió las otras dos), se convirtieron en el credo inquebrantable de los dramaturgos clasicistas, especialmente en Francia. Para ellos, eran el camino hacia la verosimilitud y la credibilidad de la trama, elementos esenciales para que el espectador pudiera identificarse y aprender.
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Unidad de Acción: El Corazón de la Trama
La unidad de acción postula que una obra teatral debe tener una única trama principal, clara, concisa y sin subtramas superfluas que puedan distraer al espectador. Cada escena, cada diálogo, cada personaje debe contribuir directamente al desarrollo de ese conflicto central. No hay espacio para digresiones innecesarias ni para elementos que no impulsen la acción hacia su resolución. El objetivo es mantener la tensión dramática y la cohesión narrativa, asegurando que la atención del público se mantenga enfocada en el nudo gordiano del drama. Se busca la lógica implacable en la secuencia de eventos, donde cada causa tiene su efecto, y donde el desenlace es una consecuencia inevitable de lo planteado. Es como un reloj suizo, donde cada pieza cumple una función vital para el movimiento del todo.
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Unidad de Tiempo: Veinticuatro Horas de Drama
Esta unidad establece que la acción dramática de la obra no debe exceder un periodo de veinticuatro horas, idealmente, el tiempo que dura la representación o un lapso ligeramente mayor pero consecutivo. El propósito es evitar que el público tenga que hacer saltos imaginativos demasiado grandes en el tiempo, lo que podría romper la ilusión de la realidad y la verosimilitud. Si una obra abarcara años, sería difícil para el espectador creer que lo que ve sucede «ahora» y «aquí». Al limitar el tiempo, se intensifica la urgencia de los acontecimientos, se concentra la tensión y se obliga a los personajes a tomar decisiones rápidas y trascendentales, lo cual, a mi parecer, añade una capa extra de dramatismo muy interesante.
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Unidad de Lugar: Un Escenario, Una Verdad
La unidad de lugar dicta que toda la acción de la obra debe desarrollarse en un único espacio físico o en lugares muy cercanos entre sí que puedan ser alcanzados sin gran dificultad o sin cambiar la escenografía. Esto refuerza la idea de la inmediatez y la credibilidad. Si los personajes se mueven de una ciudad a otra o de un continente a otro en una misma obra, la representación escénica se volvería inverosímil y complicada para los recursos técnicos de la época. Limitar el espacio a un salón, un patio, o una plaza, permite al espectador concentrarse en los dilemas morales y psicológicos de los personajes sin distraerse con cambios de escenario que pudieran parecer forzados. Esta concentración espacial, además, a menudo contribuye a crear una atmósfera de encierro o de fatalidad, especialmente en las tragedias.
La aplicación de estas unidades no siempre fue sencilla y generó grandes debates entre los dramaturgos y críticos de la época. Sin embargo, para los clasicistas, su cumplimiento era sinónimo de buen gusto, de respeto por el público y de una búsqueda incesante de la perfección artística.
Características Esenciales del Teatro Clasicista
Más allá de las unidades, el teatro del clasicismo se distingue por una serie de rasgos que le confieren su identidad única y su profundo calado. Estas características son el armazón sobre el cual se construyen las tramas y los personajes, y definen la experiencia del espectador.
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Verosimilitud y Decoro: La Ilusión de lo Real y lo Adecuado
La verosimilitud era la piedra angular del teatro clasicista. No se buscaba la realidad tal cual, sino la apariencia de lo real, lo creíble, aquello que el público podía aceptar como posible dadas las circunstancias presentadas. Esto implicaba que los acontecimientos, por extraordinarios que fueran, debían tener una explicación lógica dentro del universo de la obra. Un fantasma, por ejemplo, podría aparecer en una tragedia si su presencia servía a un propósito moral o era creíble dentro de la mitología o creencias de la época, pero no sin justificación dramática. Esta búsqueda de la credibilidad hacía que los personajes actuaran de acuerdo con su naturaleza y su posición social, sin saltos inexplicables o contradicciones.
De la mano de la verosimilitud iba el decoro, una norma fundamental que regulaba el comportamiento y el lenguaje de los personajes en escena según su rango social, su edad y su género. Un rey no podía hablar ni comportarse como un siervo, ni un noble como un plebeyo. Las acciones violentas, sangrientas o vulgares rara vez se representaban directamente en el escenario; si ocurrían, se narraban a través de un mensajero o un personaje secundario. Esta evitación de lo «grosero» en escena reflejaba el ideal de la mesura y la elevación, buscando purificar la experiencia teatral y centrarla en los dilemas morales y psicológicos, no en el espectáculo crudo. Este punto, para mí, siempre ha sido un claro reflejo del puritanismo estético de la época.
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Función Didáctica y Moralizante: Enseñar Deleitando
El teatro clasicista no era mero entretenimiento; tenía una profunda vocación pedagógica. Su propósito era «enseñar deleitando» (docere et delectare, como decían los latinos). A través de la representación de vicios y virtudes, de conflictos entre la pasión y la razón, entre el deber y el deseo, las obras buscaban instruir al público sobre los peligros del descontrol, las bondades de la virtud y la importancia de la moral. Las tragedias, al provocar catarsis (purificación de las emociones como el temor y la piedad), aspiraban a elevar el espíritu del espectador, mientras que las comedias, al ridiculizar los defectos humanos, pretendían corregir las costumbres sociales. Era una forma de arte comprometida con la mejora de la sociedad, algo que hoy quizás echamos de menos en algunas producciones.
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Estilo Elevado y Retórico: La Belleza de la Palabra
El lenguaje en el teatro clasicista era, por lo general, formal, elevado y poético. En Francia, se privilegiaba el verso alejandrino (doce sílabas) y la rima, lo que le confería una musicalidad y una solemnidad particulares. Se evitaban las expresiones coloquiales o vulgares, optando por un vocabulario culto y una sintaxis depurada. La retórica jugaba un papel importante, con discursos bien estructurados, monólogos reflexivos y diálogos que buscaban la elocuencia y la persuasión. Esta preferencia por un lenguaje «noble» era coherente con la idea de que el teatro era un arte serio y digno, capaz de tratar temas elevados y de gran trascendencia humana. Es, sinceramente, una delicia escuchar o leer esas obras con su métrica tan cuidada.
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Personajes Arquetípicos: Reflejos de la Humanidad Universal
Los personajes en el clasicismo no solían ser individuos complejos y psicológicamente profundos en el sentido moderno. Más bien, representaban arquetipos universales: el héroe noble, el tirano cruel, la mujer virtuosa, el avaricioso, el hipócrita. Encarnaban virtudes o defectos morales, y sus conflictos eran a menudo la lucha entre pasiones opuestas (amor vs. deber, honor vs. deseo). Su función era encarnar un ideal o un vicio para ilustrar la lección moral de la obra. Aunque esto podría parecer una limitación, en realidad permitía al público reconocerse en esos patrones universales de comportamiento humano, lo que a su vez facilitaba la función didáctica del teatro.
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Conflicto y Resolución: Razón contra Pasión
El conflicto central en muchas obras clasicistas solía ser la tensión entre la razón y la pasión, el deber y el deseo, o la libertad individual frente a las normas sociales o el destino. La razón era vista como la guía suprema, capaz de controlar las pasiones desordenadas. Las tragedias a menudo exploraban las consecuencias devastadoras de dejarse llevar por las emociones sin freno, mientras que las comedias satirizaban los absurdos de aquellos que ignoraban la lógica o el sentido común. La resolución de estos conflictos, especialmente en las tragedias, a menudo era trágica, pero siempre lógica e inevitable dadas las premisas planteadas, reforzando la idea de un universo ordenado donde las acciones tienen consecuencias claras.
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Géneros: Tragedia y Comedia Puras
A diferencia de épocas posteriores (o anteriores, como el teatro isabelino), el clasicismo mantenía una estricta separación de géneros. Las tragedias y las comedias no se mezclaban. La tragedia trataba temas serios, elevados, a menudo inspirados en mitos o la historia, con personajes nobles que enfrentaban destinos fatales y provocaban piedad y terror. La comedia, por su parte, abordaba temas cotidianos, satirizaba vicios y costumbres de la sociedad, y terminaba felizmente, con personajes de menor rango social. Esta pureza de géneros era vista como esencial para mantener el decoro y la claridad del mensaje.
Figuras Cumbres del Clasicismo Teatral Europeo
Aunque el clasicismo tuvo ecos en varios países, fue en Francia donde alcanzó su máxima expresión y donde nacieron sus figuras más emblemáticas, verdaderos gigantes de la dramaturgia que, a día de hoy, siguen representándose en los escenarios de todo el mundo.
Francia: El Siglo de Oro Francés y sus Estrellas
Pierre Corneille (1606-1684)
Considerado el padre de la tragedia francesa, Corneille es el autor de obras que exploran el conflicto entre el amor y el deber, el honor y la pasión. Su tragedia más célebre, «El Cid» (1637), narra la historia del héroe español Rodrigo y su amada Jimena, atrapados entre el amor que se profesan y el deber de vengar el honor de sus padres. La obra generó un gran debate en su época, la «Querella del Cid», precisamente por no adherirse estrictamente a todas las unidades aristotélicas (especialmente la de tiempo, que parecía forzada, y la de lugar). Sin embargo, su profundidad en la exploración de los dilemas morales y su brillantez retórica la consagraron como una obra maestra. Siempre me ha fascinado cómo Corneille consigue que el espectador sienta esa tensión interna de los personajes, una pugna que trasciende épocas.
Jean Racine (1639-1699)
Racine, por otro lado, es el maestro de la tragedia de la pasión contenida, del destino ineludible y de la psicología femenina. Sus personajes, a menudo figuras mitológicas o históricas, están atrapados por amores prohibidos, celos devastadores o ambiciones desmedidas, que los llevan inexorablemente a la catástrofe. Obras como «Fedra» (1677), inspirada en la mitología griega, es un ejemplo sublime de su arte: Fedra, esposa de Teseo, siente una pasión incestuosa por su hijastro Hipólito, un amor que la consume y la conduce a la perdición. Racine excava en la psique de sus personajes con una precisión casi clínica, mostrando cómo las pasiones, por más que se intenten reprimir, acaban por destruir al individuo. Su lenguaje es de una pureza y una elegancia inigualables, lo que convierte sus obras en auténticos poemas dramáticos.
Molière (Jean-Baptiste Poquelin, 1622-1673)
Si Corneille y Racine elevaron la tragedia, Molière revolucionó la comedia. Lejos de la comedia de enredo tradicional, Molière se dedicó a la «comedia de costumbres» o «comedia de carácter», satirizando los vicios y las hipocresías de la sociedad de su tiempo. Obras como «Tartufo» (1664), que critica la falsa devoción religiosa y la hipocresía; «El Misántropo» (1666), que se burla de la rigidez moral y la inadaptación social; o «El Avaro» (1668), que ridiculiza la obsesión por el dinero, son clásicos atemporales. Molière utiliza la risa como una herramienta para la crítica social y la corrección moral, haciendo que el público reflexione sobre sus propios defectos mientras se divierte. Su agudeza psicológica y su capacidad para crear personajes inolvidables lo convierten en uno de los dramaturgos más importantes de la historia, y a mí, particularmente, me parece que sus obras siguen siendo increíblemente pertinentes hoy en día.
España: El Neoclasicismo y sus Peculiaridades
En España, el clasicismo teatral llegó con un cierto retraso y no tuvo la misma hegemonía que en Francia, ya que el siglo XVII español estuvo dominado por el exuberante Barroco y figuras como Lope de Vega o Calderón de la Barca, que ya habían explorado la mezcla de géneros y la ruptura de las unidades. Sin embargo, el influjo de las ideas ilustradas en el siglo XVIII trajo consigo un movimiento neoclasicista que, aunque más breve, dejó su huella.
Leandro Fernández de Moratín (1760-1828)
Leandro Fernández de Moratín es el principal exponente del teatro neoclásico español. Sus comedias se adhieren a las unidades aristotélicas y tienen una clara intención didáctica, criticando costumbres sociales anacrónicas o vicios burgueses. «El sí de las niñas» (1806) es su obra más conocida y un ejemplo perfecto del teatro clasicista español. En ella, Moratín critica los matrimonios de conveniencia, donde las jóvenes son obligadas a casarse con hombres mucho mayores por interés económico, sin tener en cuenta sus sentimientos. La obra respeta escrupulosamente las tres unidades (transcurre en una única posada en una sola noche), el decoro, y tiene un mensaje moral evidente. Moratín, con un lenguaje natural y diálogos vivos, consigue que la lección sea absorbida por el espectador sin que se sienta adoctrinado. Para mí, esta obra es un tesoro, no solo por su valor histórico, sino por la finura con la que aborda un tema tan delicado.
Puesta en Escena y Escenografía en el Clasicismo
La puesta en escena del teatro clasicista era, en general, más sobria y funcional que la del Barroco. Dada la rigidez de la unidad de lugar, las escenografías solían ser sencillas y se limitaban a representar el espacio único donde transcurría la acción: un salón noble, una plaza pública, una sala del palacio. No había grandes cambios de decorado ni efectos especiales espectaculares. La atención se centraba en la palabra, en la elocuencia de los diálogos y en la actuación de los intérpretes.
Los actores, por su parte, adoptaban un estilo de interpretación formal y declamatorio, en sintonía con la elevación del lenguaje. La gestualidad era medida, los movimientos elegantes y la voz potente y clara, pensada para recitar los versos con la dicción y el ritmo adecuados. El vestuario era suntuoso para los personajes nobles, siguiendo las modas de la época o recreando vestimentas clásicas idealizadas, pero siempre acorde al decoro y al estatus del personaje. La iluminación, por supuesto, era la natural o la que proporcionaban velas y candelabros, lo que contribuía a una atmósfera íntima y enfocada. Esta aparente simplicidad, en realidad, obligaba a los actores a un dominio técnico y vocal impresionante, que a menudo subestimamos hoy en día.
El Legado y la Influencia del Teatro Clasicista
Aunque el clasicismo fue superado por el Romanticismo y, posteriormente, por movimientos que buscaban romper con sus rigurosas normas, su legado es incuestionable y perdura hasta nuestros días. El teatro clasicista no solo sentó las bases para el desarrollo de la dramaturgia moderna, sino que también estableció una tradición de análisis psicológico y de exploración de los conflictos humanos que es fundamental. Sus reglas, lejos de ser meros corsés, fueron un laboratorio para la experimentación de la forma, obligando a los dramaturgos a concentrar la tensión y la profundidad en un marco limitado, lo que, en mi humilde opinión, a menudo resulta en una mayor intensidad dramática.
La influencia del clasicismo se puede ver en la insistencia en la claridad argumental, en la importancia del diálogo bien construido y en la aspiración a la universalidad de los temas. Muchas de sus obras continúan representándose y siendo estudiadas en escuelas y universidades, no solo por su valor histórico, sino por su atemporalidad. Los dilemas morales que plantean Corneille, la pasión desbordada que explora Racine o la aguda crítica social de Molière siguen resonando en el público contemporáneo, porque, al fin y al cabo, la esencia de la condición humana y sus conflictos fundamentales no cambian, por más que evolucionen las formas de representarlos.
Personalmente, creo que el estudio del teatro clasicista es una experiencia enriquecedora. Nos enseña que la disciplina y la estructura pueden, paradójicamente, liberar la creatividad de una manera profunda. Nos obliga a mirar más allá de la superficie y a apreciar la belleza de la contención, la fuerza de la palabra precisa y la capacidad del arte para moldear el pensamiento y la moral. Es un recordatorio de que, a veces, las obras más potentes son aquellas que logran decir mucho con lo esencial, sin estridencias, pero con una resonancia que atraviesa los siglos.
Preguntas Comunes sobre el Teatro del Clasicismo
¿Cuál es la principal diferencia entre el teatro del clasicismo y el barroco?
La distinción principal radica en sus ideales estéticos y filosóficos. El Barroco, predominante en el siglo XVII y a principios del XVIII, se caracteriza por la exuberancia, la ornamentación, el dinamismo, el contraste, la multiplicidad de acciones y escenarios, y una profunda religiosidad o desengaño vital. Busca sorprender y conmover a través de la grandiosidad y lo artificioso. Sus obras, como las de Calderón de la Barca o Lope de Vega en España, a menudo mezclan lo trágico y lo cómico, rompen las unidades y tienen tramas complejas.
Por otro lado, el Clasicismo, que emerge en Francia y luego se extiende, aboga por el orden, la razón, la claridad, la sencillez (aparente), la armonía y la universalidad. Se adhiere estrictamente a las tres unidades (acción, tiempo, lugar), evita la mezcla de géneros, prefiere un lenguaje elevado y tiene una marcada intención didáctica y moralizante. Mientras el Barroco se deleita en la complejidad y la emoción desbordada, el Clasicismo busca la contención y la lógica racional, aspirando a la verdad y la belleza atemporal.
¿Por qué el teatro clasicista se centraba tanto en la razón?
El énfasis en la razón en el teatro clasicista es un reflejo directo de la corriente filosófica dominante de la época: la Ilustración. Este movimiento intelectual, con figuras como René Descartes, promovió la lógica, la ciencia y la razón como las herramientas fundamentales para entender el mundo y mejorar la condición humana. Se creía que la razón era el camino hacia el progreso y la verdad, y que las pasiones, sin el control de la razón, llevaban al caos y la destrucción.
En el ámbito teatral, esto se tradujo en una búsqueda de la verosimilitud (lo que es creíble y lógico), el orden estructural (a través de las unidades aristotélicas) y la función didáctica (enseñar al público a través del ejemplo de la razón dominando las pasiones o las consecuencias de lo contrario). Los conflictos en las obras a menudo giraban en torno a la lucha entre la razón y la pasión, mostrando cómo la primera debía prevalecer para el bien individual y social. Era, en esencia, un intento de aplicar la racionalidad imperante en la filosofía y la ciencia a la creación artística.
¿Las tres unidades son siempre estrictamente respetadas en el clasicismo?
Si bien las tres unidades (acción, tiempo y lugar) fueron el dogma central y la bandera del teatro clasicista, especialmente en Francia, la realidad es que su aplicación no siempre fue absoluta ni exenta de polémica. Los dramaturgos se esforzaron por cumplirlas, pero a veces esto generaba situaciones un tanto forzadas o poco naturales en la trama, como se vio en la «Querella del Cid» de Corneille.
La unidad de acción fue la más universalmente aceptada y respetada, ya que dotaba a la obra de cohesión y claridad. Las unidades de tiempo y lugar, sin embargo, fueron las que generaron más debates y donde algunos autores se permitieron cierta flexibilidad, buscando un equilibrio entre la regla y la verosimilitud. Aunque el ideal era la estricta observancia, existían interpretaciones más laxas que permitían, por ejemplo, cambios de lugar dentro de una misma ciudad o un tiempo ligeramente superior a las 24 horas si la coherencia dramática lo exigía. A pesar de estas excepciones, el espíritu de las unidades como guía para la construcción de una obra ordenada y concentrada siempre fue el eje rector del clasicismo.
¿El clasicismo teatral es aburrido por su rigidez?
¡Para nada! Es una percepción errónea muy común, pero, a mi modo de ver, no podría estar más alejada de la realidad. Aunque las reglas del clasicismo puedan parecer restrictivas, precisamente esa rigidez formal fue lo que obligó a los dramaturgos a ser increíblemente ingeniosos y profundos en la exploración de la psicología humana y de los conflictos morales.
Al limitar el tiempo y el espacio, la tensión se concentra y los dilemas de los personajes se vuelven intensos y urgentes. La belleza del lenguaje poético, la agudeza de los diálogos y la maestría en la construcción de los caracteres compensan con creces la ausencia de grandes efectos visuales o cambios de escena. Las tragedias de Racine, por ejemplo, son obras de una intensidad emocional brutal, que te atrapan desde el primer verso. Las comedias de Molière, por otro lado, son hilarantes y mordaces, con personajes que aún hoy nos resultan tan reconocibles como los vecinos del barrio. Descubrir el clasicismo es como adentrarse en un jardín zen: aparentemente simple, pero lleno de profundidad y armonía oculta.
¿Cómo influyó el clasicismo en el teatro moderno?
El clasicismo ejerció una influencia capital en el desarrollo posterior del teatro, aunque a menudo de forma dialéctica, es decir, tanto por adhesión a sus principios como por reacción contra ellos. Sus aportaciones son variadas y profundas. Primero, estableció un canon de claridad, cohesión y estructura dramática que sigue siendo una base fundamental en la escritura teatral. La importancia de una acción principal definida, la progresión lógica de la trama y la relevancia de cada diálogo para el desarrollo son herencias directas del clasicismo que muchos dramaturgos modernos siguen valorando.
Además, la profunda exploración de los conflictos psicológicos y morales, especialmente en las tragedias, sentó un precedente para el análisis de la condición humana en el escenario. Aunque los personajes clasicistas son arquetípicos, los dilemas a los que se enfrentan (razón vs. pasión, deber vs. deseo) son universales y atemporales. Incluso cuando movimientos como el Romanticismo o el teatro del absurdo buscaron romper con las unidades y el decoro, lo hicieron a menudo como una respuesta consciente a las normas establecidas por el clasicismo. En cierto modo, no se puede entender la ruptura sin comprender aquello que se rompe. El clasicismo es, pues, un pilar ineludible en la historia del teatro, una fuente de inspiración y un punto de referencia constante para cualquier creador escénico.
